Wei Tan
Die in Malaysia geborene Künstlerin Wei Tan begann ihre Karriere zunächst mit einem Masterstudium in Musikkomposition, das sie an der New York University absolvierte. Im Sommer 2015, während der Entwicklung ihrer Arbeit an bildbasierter experimenteller Klangkunst, begann Wei Tan, die Welt der abstrakten Malerei zu erkunden. Bald entstanden in der kurzen Zeitspanne von einem Monat eine Reihe von großformatigen, improvisierten Gemälden. Dies trieb Wei Tan zu eigenen Experimenten, bei denen sie sich von den großen Abstrakten Expressionisten der 1950er Jahre und den interdisziplinären, multimedialen Künstlern von heute inspirieren ließ. Seitdem hat sie in New York, London, Florenz, Berlin, Kuala Lumpur und Shanghai gearbeitet und ausgestellt. Wei Tans Arbeiten wurden im Aesthetica Magazine veröffentlicht und sie war Finalistin bei internationalen Kunstwettbewerben wie dem Royal Arts Prize und dem Sunny Art Prize. Die Künstlerin lebt in Berlin.
Wann hast Du angefangen, als Künstlerin zu arbeiten?
Ich habe im Sommer 2015 angefangen zu malen, als ich meinen Master in Musiktechnologie in New York beendet habe.
Warum hast Du angefangen, als Künstlerin zu arbeiten?
Seit ich ein Kind war, hatte ich immer eine gleiche Affinität zu Kunst und Musik. Irgendwie habe ich mich dann doch für Musik entschieden, vielleicht weil ich Kunst für selbstverständlich hielt. Während ich in New York Musiktechnologie studierte, hatte ich dieses Verlangen, mich in der Kunst auszudrücken, insbesondere sehnte ich mich nach der physischen Geste der Malerei. Ich versuchte, Elemente der Malerei in meine musikalische Arbeit einzubringen - zum Beispiel entwarf ich ein digitales Instrument, das Live-Malerei in Klang umwandelt -, aber am Ende wurde mir klar, dass ich einfach nur malen wollte. Ich begann, abstrakte Malstunden bei meiner Lehrerin Gina Bonati in ihrer schönen Wohnung in East Village zu nehmen, und von da an verliebte ich mich wieder in die Kunst.
Wer und was inspiriert Dich?
Ich lasse mich von allem von meiner Umgebung inspirieren. Ich merke, dass ich leicht visuelle Erinnerungen aufnehme, wie die Kleidung von Menschen, die auf der Straße gehen, die Farbe von Gebäuden oder die Form einer schönen Vase. Diese visuellen Elemente tauchen dann während des Prozesses des automatischen Zeichnens in meinen Bildern auf. Ich male auch, während ich Musik höre, und sie beeinflusst den Fluss meiner Arbeit stark. In letzter Zeit habe ich mich von der Inneneinrichtung und von Vintage-Möbeln inspirieren lassen, die in meinen neueren Gemälden überall zu finden sind.
Gibt es etwas oder jemanden, der Dich beeinflusst?
Zu Beginn meiner Kunstkarriere wurde ich stark von meiner Lehrerin Gina Bonati und den abstrakten Expressionisten wie Joan Mitchell und Helen Frankenthaler beeinflusst. Sie lehrten mich die Schönheit der freien, spontanen Geste und die Feinheiten, wie man diese Freiheit mit seiner eigenen Version von Struktur eindämmen kann. Ich bewundere auch Susan Rothenberg und Pierre Bonnard - wie ihre Bilder zwischen Abstraktion und Realität existieren.
Mit welchen Materialien arbeitest Du und warum?
Lange Zeit habe ich mit Acryl, weichen Pastellen und Ölstiften gearbeitet - ich mag es, diese Texturen zu mischen, um das zu schaffen, was ich 'zufällige Geographien' nenne. Obwohl es zum Beispiel nicht unbedingt 'richtig' ist, Acryl mit Öl zu mischen, mag ich es, wie interessante Landschaften entstehen, wenn sie aufeinanderprallen. Außerdem mag ich sowohl das Malen als auch das Zeichnen, und so erlauben mir die weichen Pastelle, mit Linien und Formen zu arbeiten, wie es die Malerei nicht kann. Im letzten Jahr bin ich zur Ölmalerei übergegangen. Bis jetzt macht mir das sehr viel Spaß, denn es ermöglicht mir eine ganz andere Herangehensweise. So kann ich langsamere, gleichmäßigere Bilder schaffen, mit mehr Betonung auf Licht und Schatten.
Welche Techniken bevorzugst Du?
Ich bevorzuge Improvisation und Spontaneität. Selbst bei Ölbildern oder bei strukturierteren Kompositionen finde ich, dass das Element des Loslassens das ist, was das Bild zum Leben erweckt. Ich muss immer die Balance zwischen Kontrolle und Freiheit halten. Ich male auch gerne nass-in-nass, anstatt zu warten, bis die Schichten getrocknet sind. Das erlaubt mir, mit Texturen zu spielen und ich mische sogar Farbe direkt auf der Leinwand, was sehr interessante Farben und Farbkombinationen hervorbringt.
Gibt es Farben und Formen, die Du bevorzugst?
Ich verehre alle Farben, und Farbe ist wahrscheinlich der wichtigste Teil meiner Arbeit. Das Thema des Gemäldes ist fast nur ein Behälter, um Farbe auf die Leinwand zu bringen. Aber wenn ich mich für eine entscheiden müsste, ist Rot die Farbe, der ich mich am nächsten fühle, weil sie die Intensität und Tiefe hat, nach der ich suche. Egal, wie viel Rot ich verwende, ich werde seiner nicht überdrüssig. Bei den Formen: in meinen abstrakten Arbeiten mochte ich früher nur runde, organische Formen und lehnte jede Form ab, die einem Objekt ähnelt, aber jetzt bewege ich mich zunehmend in Richtung definierter Formen und realer Objekte.
Wo arbeitest Du?
Ich arbeite in einem Gemeinschaftsatelier in Mitte, Berlin. Ich teile es mit einem anderen Mixed-Media-Künstler und einem experimentellen Musiker.
Willst Du etwas mit Deiner Kunst aussagen?
Ob es sich um meine abstrakten Arbeiten oder meine Chairs-Serien handelt, meine Intention ist die gleiche und ganz einfach, nämlich meinen aktuellen Gefühlszustand in Formen und Farben auf die Leinwand zu übertragen. Es ist wie ein Tagebuch-Prozess, bei dem jedes Gemälde ein Aufräumen von Erinnerungen und Reflexionen in meinem aktuellen Leben ist. Auf die gleiche Art und Weise verwende ich das Thema der Stühle. Jeder Stuhl ist ein Charakter mit einer einzigartigen emotionalen Signatur, und er trägt die Erinnerungen von jedem, der schon einmal auf ihm gesessen hat. Er lädt auch den Betrachter ein, sich in das Gemälde zu setzen und Teil der Erfahrung zu werden. Jedes Gemälde ist ein Raum oder eine psychologische Landschaft. Da jeder Betrachter anders auf die Gemälde reagiert, wirken sie wie Spiegel, die unseren Gemütszustand reflektieren.
Was ist für Dich in Deiner Arbeit wichtig?
Was in meiner Arbeit wichtig ist, ist ein Gefühl der Lebendigkeit und eine gewisse Intensität. Obwohl meine Bilder statisch sind, hoffe ich, ein Gefühl der Bewegung und des Pulsierens unter den Farben, Texturen und Objekten zu erzeugen. Ich möchte auch, dass sich meine Arbeit immersiv anfühlt und der Betrachter 'im Inneren des Bildes' ist, anstatt von außen zu schauen. Ich mag es, Räume zu schaffen, die sich zwischen dem Realen und dem Imaginären befinden, daher sind meine Bilder meist eine traumhafte Kombination aus abstrakten und nicht-abstrakten Elementen.
Was sind Deine Ziele?
Ich würde gerne in einem größeren Maßstab malen. Ich möchte auch das Medium Öl beherrschen, damit ich das gleiche Gefühl der Spontaneität wie in meinen Mischtechniken erreichen kann. Ich würde gerne mehr und mehr Menschen mit meiner Kunst erreichen und die Art von Menschen finden, die sich mit ihr verbinden.
Was würdest Du gerne in 5 Jahren erreichen?
Ich bin noch ziemlich neu in Deutschland und relativ neu in der Kunstwelt, deshalb möchte ich in fünf Jahren mehr mit der Kunstszene verbunden sein, sowohl lokal als auch global, eine größere Anhängerschaft entwickeln und meinen Käuferkreis erweitern.
Keine weiteren Gebühren
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